Cosa può e non può fare l'audio spaziale per la musica classica

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Taccuino del critico

I formati audio immersivi, sebbene più recenti per il pop, sono utilizzati dai compositori da decenni. Ma non tutte le opere richiedono un trattamento spaziale.

Di Seth Colter Walls

I recenti sviluppi nell’audio spaziale – album vecchi e nuovi mixati per formati coinvolgenti – hanno fatto notizia nel mondo del pop.

Dato il giusto processo di produzione (in studio) e la configurazione tecnologica (a casa), i suoni delle cuffie non devono più sentirsi così staticamente premuti su ciascun orecchio; invece, può sembrare che sfreccino intorno alla tua testa o ti facciano cenno dalla nuca.

O semplicemente respirare di nuovo. Che tu ti concentri su un accento vagante di chitarra slide nel mix Dolby Atmos di "Mine (Taylor's Version)" di Taylor Swift o apprezzi i dettagli seghettati della filigrana dell'arrangiamento in ottone nel vintage "Big Swifty" di Frank Zappa, l'idea è quella di porta nelle tue orecchie la sensazione tridimensionale e truccata degli array di altoparlanti di grandi dimensioni.

Ma la musica classica esisteva decenni fa. Sia la Deutsche Grammophon che l'etichetta Philips sperimentarono “Quadraphonic” – o versioni a quattro canali – negli anni '70. Più recentemente, le registrazioni e i mix binaurali, progettati per simulare quella sensazione 3-D, sono stati una delizia. Ora, però, queste e altre pratiche di produzione spaziale stanno beneficiando di maggiori investimenti aziendali, inclusa la tecnologia di tracciamento della testa come caratteristica delle nuovissime cuffie Beats di Apple. (Quando muovi la testa mentre li indossi, con l'opzione di tracciamento abilitata, i punti sonori sembrano rimanere fissi nel tuo campo a 360 gradi, anche se sterzi.)

L’head tracking mi sembrava in gran parte inutile – addirittura fonte di distrazione – finché non l’ho provato con la nuova registrazione d’archivio “Evenings at the Village Gate”, con John Coltrane ed Eric Dolphy.

Ascoltare il clarinetto basso di Dolphy davanti al mio viso - in un modo che è rimasto stabile, anche quando ho scosso la testa meravigliato dal suo modo di suonare - mi ha dato la fugace sensazione di condividere lo spazio con la leggenda. Un bel trucco, anche se non più importante del modo in cui Dolphy o Coltrane suonano alle loro condizioni.

Nel periodo in cui venne effettuata la registrazione, i compositori classici stavano introducendo concetti spazializzati nella loro pratica creativa. Ancor prima che la tecnologia relativamente mite del suono stereo a due canali fosse standard in ogni casa, Karlheinz Stockhausen e altri utilizzavano mix più complessi per lavori che coinvolgevano l'elettronica o elementi registrati.

C'è una ragione per cui Stockhausen è uno dei personaggi culturali sulla copertina di “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band”: le opere del compositore, come “Gesang der Jünglinge”, del 1956, utilizzavano un mix di cinque altoparlanti (di cui uno sul soffitto). Ciò lasciò un'impressione duratura su Paul McCartney, che una volta descrisse "Gesang" come il suo pezzo "plick-plop" preferito di Stockhausen.

Ora, anche gli angoli più tradizionali del mondo della musica classica stanno entrando nell’audio spaziale.

I principali direttori d'orchestra nel mondo orchestrale, tra cui Riccardo Muti ed Esa-Pekka Salonen, hanno approvato personalmente i mix audio spaziali delle loro recenti registrazioni, che sono state rilasciate su Apple Music e sulla sua app di streaming di musica classica. E, come con altri generi, Apple ha raccolto playlist di remix spazializzati.

Nel frattempo i protagonisti abituali del coinvolgente gruppo della musica classica hanno continuato a esercitare il loro mestiere: i membri di SWR Experimentalstudio sono venuti questo mese al Time Spans Festival di New York, portando opere surround del modernista italiano Luigi Nono. E il compositore-sassofonista americano Anthony Braxton ha portato un nuovo concetto di suono surround, "Thunder Music", al corso estivo di Darmstadt in Germania.

Quelle esibizioni dal vivo erano fantastiche. Per quanto riguarda le registrazioni, la storia è diversa: dopo aver ascoltato di recente una varietà di mix Dolby Atmos, ho avuto la sensazione che la lista più mainstream di offerte spaziali della musica classica rimane un lavoro in corso.

Da qualche parte nel mezzo c'era la Sonic Sphere, la realizzazione di un concetto audio spaziale di Stockhausen, allo Shed di New York quest'estate. La sua configurazione di 124 altoparlanti circondava circa 200 ascoltatori alla volta. All'inizio di luglio ho ascoltato un nuovo mix di "Music for 18 Musicians" di Steve Reich che soffriva di frequenze dei bassi confuse. Ciò, sfortunatamente, ha anche privato l'opera della sua grazia cesellata e minimalista; invece di seguire le linee del clarinetto basso, intuivi semplicemente che fossero lì. Il senso del dramma era stato sprecato.